Erda (1971), 26’55

This first work is the illustration of research done during the discovery of the professional composition studio. After studying each device and making more or less hybrid connections, I chose to compose several short sequences, each one being the expression of a research based on a well-defined manipulation and sound spectrum.
The sounds coming from the electronic generators do not belong to the surrounding nature; they do not have the warmth of sounds of instrumental or concrete origin. In order to make them musical and sensitive, they must be humanised. The title, “Erda”, is already an attempt at conditioning since it is the name Wagner gave to the Goddess of the Earth in the “Ring of the Nibelungen”.
A background as a percussionist and jazzman also prompted me to make a rhythmic study in each of these sequences. “Erda” consists of eight movements:

1. Variations: long weft where grain variations are mixed.
2. Cells: this movement is made up of a group of melodic-rhythmic cells which go from left to right. The somewhat raucous and acidic character of the square sounds, found in several movements, is reminiscent of the sounds of saxophones and brass with mutes as used in jazz.
3. Crickets: evocation of the world of insects.
4. 54 birds: stereotypical bird songs as given by the generators in Studio 54.
5. Erda: homage to the Goddess of Wisdom and Earth.
6. Genorgue: this sequence is a bit like the mirror of Cells. However, the sound has lost some of its aggressiveness; it is closer to that of the organ and the electric piano.
7. Klook: rhythmic drum figures such as Kenny Clarke, whose nickname is Klook, taught them to me.
8. ln memoriam: homage to John Coltrane.

“Erda” was commissioned by the GRM, Paris 1971.

Symphonie (1974), 23’45

A better knowledge of music around the world, the infinite variety of timbre of the instruments used, the vocal and playing techniques that we discover every day in every country, cannot leave the musician indifferent. His role becomes multiple because today's means give him the chance to bring out the well-established values on which music has been based for centuries. Those who live in the electroacoustic universe are faced with an infinite field of possibilities that allow a perpetual questioning of research.
In our fascinating and somewhat crazy profession, it is imperative to constantly renew oneself, already in relation to oneself and above all in relation to others. The means of the studio offer this permanent questioning of the sound universe. It has always seemed to me that the works in the acousmatic repertoire sounded like chamber music and that few composers had been sensitive to the new possibilities of orchestration offered by electronic sounds and the treatments associated with them. Rarely does a work for tape contain a richness of range greater than that provided by the superimposition of 15 or 30 fundamental frequencies. What do these 30 or so fundamental sounds, which are generally not very rich in harmonics, represent in relation to the characteristic spectrum of the 100 or so notes emitted simultaneously by the orchestra?
Rather than develop in detail one of the ideas sketched out during my early work (“Erda”, “Anticycle”, “Il était une fois”), it seemed more interesting to me to temporarily leave aside the studio as a sound generator, like the manipulations that have become familiar to me, to concentrate the work on two points: the study of a classical form and the marriage of orchestral sounds with synthetic sounds.
It may seem futile and presumptuous to conceive of a symphony in this day and age if one refers to a classical tradition of which Bruckner and Mahler, to some extent, represent a culmination. In the present case we must disregard this heritage and keep from the idea of symphony only the notion of chord, of a set of sounds: phony.
The spirit of the piece is more like that of the symphonic poem than that of the symphony in several movements. The main themes are exposed, developed and taken up again in the final coda. Five families of sounds make up the original material:
- fluted sounds from electronic sources
- brassy sounds from electronic sources
- brass instruments and tutti from orchestral source
- concrete sounds
- 24 string instruments with and without treatment.

The recording of the strings was made by the ORTF Chamber Orchestra conducted by Guy Reibel. “Symphony” was commissioned by the GRM, Paris 1974.

Surroundings (1979), 53'05

André Francis suggested that I create a tape made up of atmospheres and colours specific to the U.S.A., a tape that will be used as a support for the playing of two jazz musicians. With a news tape recorder I toured the cities where jazz was alive, recording all the characteristic sounds of American cities, from the underground to the interview. But although nothing resembles the atmosphere of a large metropolis more than that of another important city, I kept a few highlights of the sound impressions I received and articulated the composition around nine movements.
1: Broadway
As its name suggests, this beginning is in the New York clamour with all its excesses. After a long city bath, an electronic ostinato on a drone invites the soloists to join the tumult.
2: Bluesy
Against a background of D. Ellington's voice, musicians and then a preacher, the blues unfolds
with calm.
3 : Las Vegas
Slot machines and pinball machines chained to the din of the police sirens are part of a transitional movement where the soloists do not play.
4: Subway 1
The subways in New York and Chicago are impressive. The soloists join this underground world before dialoguing alone.
5: Subway2
6: Bus-Bourbon Street
New interlude for solo tape with sound photography of the famous street in New Orleans.
7: Duet
Meditative moment of the instrumentalists after the “parade” and its brass band on 5th Avenue.
8: Cable car
The San Francisco tramway is musical in itself, especially when street musicians take it.
9: Fine
The tramway is transformed into a huge machine that resolves itself into a high-pitched electronic weave giving way to Charles Austin's flute.

Charles Austin: saxophones and flute
Joe Gallivan: percussion including two toms connected to a Moog synthesizer.
Produced by Celia Records Studio 1978-1979.
Recording C. Zanési.

Sonances (1971), 9'12

The metal sheets of the Baschet instruments that haunted the Service de la Recherche's studios has always fascinated me. During the few studio moments gleaned here and there and during my training sessions, I have built up a basic material from these sheets.
The piece proposes a journey into this disturbing world, from the dull hammering reminiscent of the heart to the fine metallic clattering evoking the sound of the sea against the rocks.
Personal realisation 1971.

Jean Schwarz (1939-)

Jean Schwarz, born in 1939, is an “elder” of INA grm.
In his career he has composed for the shows of Carolyn Carlson, Maguy Marin, Larrio Ekson, Françoise Dupuy, Serge Campardon, Petrika Ionesco, Bartabas, for the cinema: the films of J.-L. Godard, S. Moati, G. Blain, A. Resnais, A. Cavalier... and has collaborated with many jazz musicians.
Co-author with André Francis of the record boxes “Trésors du Jazz” and “Jazz Characters”, 500 CDs “Le Chant du Monde” 2002-2010.
Main works: “Erda” 1972, “Anticycle” 1972, “Il était une fois” 1974, “Symphonie” 1975, “Don Quichotte” 1976, “Fotoband” 1977, “Roundtrip” 1977, “Klavierband” 1978, “Gamma plus” 1979, “Surroundings” 1980, “La glace à trois faces” 1981, “And around” 1981, “Suite N” 1982, “Quatre saisons” 1983, “Perpetuum mobile” 1985, “Chantakoa” 1986, “Quatre vingts” 1988, “Suite symphonique” 1989, “The sea maid’s music” 1990, “Mano a mano” (avec D.Teruggi) 1991, “Olé” 1992, “Canto” 1993, “Capriccio” 1993, “Makinak” 1995, “Chasin’” 1996, “Mixed up” 1997, “Etudes” 1998, “Dilin dalan” 1999, “Feedback” (avec J. Labarrière) 2002, “Fantaisie rythmique” 2007, “Swan” 2014, “Sinfonietta” 2016, “Symphonies du ciel” 2019, “Schwarzland” 2020.

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Erda (1971), 26’55

Ce premier travail est l'illustration de recherches faites lors de la découverte du studio professionnel de composition. Après avoir étudié chaque appareil et effectué des branchements plus ou moins hybrides, j'ai choisi de composer plusieurs courtes séquences, chacune étant l'expression d'une recherche à partir d'une manipulation et sur un spectre sonore bien définis.
Les sons issus des générateurs électroniques n'appartiennent pas à la nature environnante ; ils ne possèdent pas cette chaleur des sons d’origine instrumentale ou concrète. Afin de les rendre musicaux et sensibles, il faut les humaniser. Le titre, “Erda”, est déjà un essai de conditionnement puisque c'est le nom que Wagner a donné à la Déesse de la Terre dans l’“Anneau des Nibelungen”.
Un background de percussionniste et de jazzman m'a incité, en outre, à faire dans chacune de ces séquences une étude rythmique. “Erda” comprend huit mouvements :

1. Variations : longue trame où se mêlent des variations de grain.
2. Cellules : ce mouvement est constitué par un groupe de cellules mélodico-rythmiques qui se poursuivent de gauche à droite. Le caractère un peu rauque et acide des sons carrés, que l'on retrouve dans plusieurs mouvements, est un rappel des sonorités de saxophones et de cuivres avec sourdines tels qu'ils sont utilisés dans le jazz.
3. Grillons : évocation du monde des insectes.
4. 54 oiseaux : chants d'oiseaux stéréotypés tels que les donnent les générateurs du studio 54.
5. Erda : hommage à la Déesse de la Sagesse et de la Terre.
6. Génorgue : cette séquence est un peu le miroir de Cellules. Le son a toutefois perdu de son agressivité ; il se rapproche de celui de l'orgue et de celui du piano électrique.
7. Klook : figures rythmiques de batteries telles que Kenny Clarke, dont Klook est le surnom, me les enseignait.
8. ln memoriam : hommage à John Coltrane.

“Erda” est une commande du GRM, Paris 1971

Symphonie (1974), 23’45

Une meilleure connaissance des musiques du monde, l'infinie variété de timbre des instruments utilisés, les techniques vocales et de jeu que nous découvrons chaque jour dans tous les pays, ne peuvent laisser insensible le musicien. Son rôle devient multiple car les moyens actuels lui donnent la chance de faire éclater les valeurs bien établies sur lesquelles la musique est fondée depuis des siècles. Ceux qui habitent l'univers électroacoustique se trouvent face à un champ infini de possibilités qui permettent une remise en cause perpétuelle de la recherche.
Dans le métier passionnant, et un peu fou qui est le nôtre, il est impérieux de se renouveler sans cesse, déjà par rapport à soi-même et surtout par rapport aux autres. Les moyens du studio offrent cette remise en question permanente de l'univers sonore. Il m'a toujours semblé que les œuvres du répertoire acousmatique sonnaient comme des œuvres de musique de chambre et que peu de compositeurs avaient été sensibles aux nouvelles possibilités d'orchestration offertes par les sons électroniques et les traitements qui s'y rattachent. Il est rare en effet qu'une œuvre pour bande contienne une richesse en tessiture supérieure à celle donnée par la superposition de 15 ou de 30 fréquences fondamentales. Que représentent ces quelque 30 sons fondamentaux en général peu riches en harmoniques en regard du spectre caractéristique des quelque 100 notes émises simultanément par l'orchestre ?
Plutôt que de développer en détail une des idées esquissées lors de mes premières réalisations (“Erda”, “Anticycle”, “Il était une fois”), il m'a paru plus intéressant de laisser provisoirement de côté le studio en tant que générateur de sons, tout comme les manipulations devenues familières qui s'y rapportent, pour concentrer le travail sur deux points : l'étude d'une forme classique et le mariage de sons d'orchestre avec des sons de synthèse.
Il peut paraître vain et présomptueux de concevoir à notre époque une symphonie si l'on se réfère à une tradition classique dont Bruckner et Mahler, dans une certaine mesure, représentent un aboutissement. Dans le cas présent il faut faire abstraction de cet héritage et ne garder de l'idée de symphonie que la notion d'accord, d'ensemble de sons : la phonie.
L’esprit de la pièce s'apparente plus à celui du poème symphonique qu'à celui de la symphonie en plusieurs mouvements. Les thèmes principaux sont exposés, développés et repris jusqu'à la coda finale. Cinq familles de sons constituent le matériau original :
- sons flûtés de source électronique
- sons cuivrés de source électronique
- cuivres et tutti de source orchestrale
- sons concrets
- 24 cordes avec et sans traitement.

L'enregistrement des cordes a été réalisé par l'orchestre de Chambre de l'ORTF dirigé par Guy Reibel. “Symphonie” est une commande du GRM, Paris 1974.

Surroundings (1979), 53’05

André Francis m'a proposé d'élaborer une bande constituée d'ambiances et de couleurs propres aux États-Unis, bande qui servira de support au jeu de deux musiciens de jazz. Avec un magnétophone de reportage je fis le tour des villes où le jazz était vivant en enregistrant tous les sons caractéristiques des villes américaines, du métro à l'interview. Mais bien que rien ne ressemble plus à l'ambiance d'une grande métropole que celle d'une autre ville importante, j'ai gardé quelques moments forts des impressions sonores reçues et articulé la composition autour de neuf mouvements.
1 : Broadway
Comme son nom l'indique ce début se situe dans la clameur new-yorkaise avec tous ses excès. Après un long bain de ville, un ostinato électronique sur un bourdon invite les solistes à se joindre au tumulte.
2 : Bluesy
Sur fond de voix de D. Ellington, de musiciens puis d'un “preacher”, le blues se déroule avec calme.
3 : Las Vegas
Machines à sous et flippers enchaînés au vacarme des sirènes des forces de l'ordre font partie d'un mouvement de transition où les solistes ne jouent pas.
4 : Subway 1
Les métros de New-York et de Chicago sont impressionnants. Les solistes rejoignent ce monde souterrain avant de dialoguer seuls.
5 : Subway2
6 : Bus-Bourbon Street
Nouvel intermède pour bande seule avec la photographie sonore de la célèbre rue de la Nouvelle-Orléans.
7: Duet
Plage méditative des instrumentistes après la “parade” et sa fanfare de la 5ème Avenue.
8: Cable car
Le tramway de San francisco est musical en soi, à plus forte raison lorsque les musiciens des rues le prennent.
9: Fine
Le tramway se transforme en une immense machine qui se résout en une trame électronique aiguë laissant place à la flûte de Charles Austin.

Charles Austin : saxophones et flûte
Joe Gallivan : percussions dont deux toms reliés à un synthétiseur Moog.
Réalisation Celia Records Studio 1978-1979.
Enregistrement C. Zanési.

Sonances (1971), 9’12

Les tôles des instruments Baschet qui hantaient les studios du Service de la Recherche m'ont toujours fasciné. Au hasard des quelques moments de studio glanés de-ci de-là et de mes séances de stage, j'ai constitué un matériau de base à partir de ces tôles.
La pièce propose un voyage dans ce monde inquiétant qui va du martèlement sourd rappelant celui du cœur, au fin cliquetis métallique évoquant le bruit de la mer contre les rochers.
Réalisation personnelle 1971.

Jean Schwarz (1939-)

Jean Schwarz né en 1939 est un “ancien” de l’INA grm.
Dans sa carrière il a composé pour les spectacles de Carolyn Carlson, Maguy Marin, Larrio Ekson, Françoise Dupuy, Serge Campardon, Petrika Ionesco, Bartabas, pour le cinéma : les films de J.-L. Godard, S. Moati, G. Blain, A. Resnais, A. Cavalier… et a collaboré avec de nombreux musiciens de jazz.
Co-auteur avec André Francis des coffrets “Trésors du Jazz” et “Jazz Characters”, 500 CD “Le Chant du Monde” 2002-2010.
Principales œuvres : “Erda” 1972, “Anticycle” 1972, “Il était une fois” 1974, “Symphonie” 1975, “Don Quichotte” 1976, “Fotoband” 1977, “Roundtrip” 1977, “Klavierband” 1978, “Gamma plus” 1979, “Surroundings” 1980, “La glace à trois faces” 1981, “And around” 1981, “Suite N” 1982, “Quatre saisons” 1983, “Perpetuum mobile” 1985, “Chantakoa” 1986, “Quatre vingts” 1988, “Suite symphonique” 1989, “The sea maid’s music” 1990, “Mano a mano” (avec D.Teruggi) 1991, “Olé” 1992, “Canto” 1993, “Capriccio” 1993, “Makinak” 1995, “Chasin’” 1996, “Mixed up” 1997, “Etudes” 1998, “Dilin dalan” 1999, “Feedback” (avec J. Labarrière) 2002, “Fantaisie rythmique” 2007, “Swan” 2014, “Sinfonietta” 2016, “Symphonies du ciel” 2019, “Schwarzland” 2020.